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Amadeo Modigliani - Stehend Karyatide 1913 Tapete De Ratones
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  • Tapete para ratón: Frente
    Frente
Sobre este producto
Style: Alfombrilla de Ratón

¡Crea un tapete para ratón para el hogar y la oficina! Decora tu escritorio con su imagen favorita o elige entre miles de diseños que parecen grandes y protegen tu ratón de rayones y suciedad.

  • 23,5cm x 19,7cm – Perfecto para cualquier escritorio o espacio de trabajo.
  • Calidad e impresión a color.
  • Con una cubierta de tela duradera y resistente a las manchas.
  • Antideslizante.
  • No hay pedido mínimo.
Elaborado por
San Jose, CA, US
Sobre este diseño
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Amadeo Modigliani - Stehend Karyatide 1913 Tapete De Ratones
Una cariátide Καρυάτις, plural: Καρυάτιδες) es una porción esculpida de la figura femenina como ayuda arquitectónica que toma el lugar de una columna o un pilar que apoya un entablature en su cabeza. Los karyatides del término significan literalmente a "doncellas de Karyai", una ciudad antigua de Peloponeso. Karyai tenía un templo famoso dedicado a la diosa Artemis en su aspecto de Artemis Karyatis: "Como Karyatis que ella disfrutó en las danzas del pueblo del nuez-árbol de Karyai, eso Karyatides, que en su redondo-danza extática continuó sus cestas de las cabezas de cañas vivas, como si bailaran las plantas" (Kerenyi p el an o 80 149). 1000's más impresiones del arte disponibles - TECLEO AQUÍ Visite nuestro sitio principal en http://www.jnniepce.com/ Amedeo Clemente Modigliani (12 de julio de 1884 - ) Estaba 24 de enero de 1920 un artista italiano que trabajó principalmente en Francia. Sobre todo un figurado artista, él se sabía para las pinturas y las esculturas en un estilo moderno caracterizado cerca máscara-como caras y el alargamiento de la forma. Él murió en París de la meningitis tubercular, exacerbado por la pobreza, el trabajo excesivo, y el apego al alcohol y al narcótico. Modigliani era llevado en una familia judía en Livorno, Italia. Una ciudad de puerto, Livorno había servido de largo como a el refugio para ésos perseguidos para su religión, y era casero a una comunidad judía grande. Su grande-grande-abuelo maternal, Solomon Garsin, había inmigrado a Livorno en el décimo octavo siglo como refugiado. Modigliani era el cuarto niño de Flaminio Modigliani y su esposa francesa, Eugenia Garsin. Su padre era un dinero-cambiador, pero cuando su negocio falló, la familia vivió en pobreza. El nacimiento de Amedeo ahorró a la familia de ruina, como según una ley antigua, los acreedores podrían no agarrar la cama de una mujer embarazada o de una madre con un niño recién nacido. Los ujieres inscritos el hogar de familia apenas como Eugenia entró trabajo; la familia protegió su más valioso activos llenándolos encima de ella. Modigliani tenía una relación estrecha con su madre, que le enseñó en casa hasta que él fuera diez. Sitiado con problemas de salud después de un ataque de pleurisy cuando él era cerca de once, algunos los años más adelante él desarrolló un caso de fiebre tifoidea. Cuando él era dieciséis le tomaron enfermedad otra vez y contratado la tuberculosis que demanda posterior su vida. Después de Modigliani se recuperó del segundo combate de pleurisy, su madre lo tomó en un viaje de Italia meridional: Nápoles, Capri, Roma y Amalfi, entonces del norte a Florencia y a Venecia. Su madre era, en gran medida, instrumental en su capacidad de perseguir arte como vocación. Cuando él era once años de edad, ella había observado en su diario: " El carácter del niño sigue siendo tan no formado que no puedo decir lo que pienso en él. Él se comporta como un niño estropeado, pero él no carece inteligencia. Tendremos que esperar y vea cuál está dentro de esta crisálida. Quizás un artista?" Modigliani se conoce para haber dibujado y pintado de una edad muy temprana, y pensado "ya un pintor", su madre escribió, incluso antes de comenzar estudios formales. A pesar de sus dudas ese lanzamiento de él en un curso de estudiar el arte afectaría sobre sus otros estudios, su madre complació los jóvenes La pasión de Modigliani para el tema. A la edad de catorce, mientras que está enfermo con fiebre tifoidea, él deliró en su delirio que él querido, sobre todo, ver las pinturas en el Palazzo Pitti y el Uffizi adentro Florencia. Como el museo local de Livorno contuvo solamente un escaso pocas pinturas del italiano Los amos del renacimiento, los cuentos que él había oído hablar los grandes trabajos celebrados en Florencia intrigaron él, y eran una fuente de considerable desesperación a él, en el suyo estado puesto enfermo, que él la fuerza nunca consigue la ocasión de verlos personalmente. Su madre prometió que ella tomaría él a Florencia misma, el momento que lo recuperaron. No sólo ella satisfizo esta promesa, pero ella también emprendió alistarlo con el mejor amo de la pintura en Livorno, Guglielmo Micheli. Modigliani trabajó en la escuela del arte de Micheli a partir de 1898 a 1900. Aquí el suyo más temprano la instrucción artística formal ocurrió en una atmósfera empapada profundamente en un estudio del estilos y temas del arte italiano del siglo XIX. En su trabajo parisiense más temprano, rastros de esto la influencia, y la de sus estudios del arte renacentista, pueden todavía ser consideradas: este trabajo naciente fue formado tanto por los artistas tales como Juan Boldini como por Toulouse-Lautrec. Modigliani mostró gran promesa mientras que con Micheli, y solamente cesado sus estudios cuando él era forzado a, por el inicio de la tuberculosis. En 1901, mientras que en Roma, Modigliani admiró el trabajo de Domenico Morelli, pintor de estudios y escenas bíblicos melodramáticos de la gran literatura. Es irónico que él debe sea así que pegado por Morelli, como este pintor había servido como inspiración para un grupo de iconoclastas que fueron conocido por el título "el Macchiaioli" (de macchia - la "rociada del color", o, más despectivamente, la "mancha"), y Modigliani habían sido expuestos ya a las influencias del Macchiaioli. Poseyeron a este menor, movimiento localizado del paisaje de una necesidad reaccione contra los stylings burgueses de los pintores académicos del género. Mientras que sympathetically conectado con (y realmente precediendo) los impresionistas franceses, el Macchiaioli no hizo haga el mismo impacto sobre cultura internacional del arte que lo hicieron los contemporáneos y los seguidores de Monet, y se olvidan hoy en gran parte fuera de Italia. La conexión de Modigliani con el movimiento estaba con Guglielmo Micheli, su primer arte profesor. Micheli era no sólo un Macchiaiolo mismo, pero había sido un alumno del famoso Giovanni Fattori, fundador del movimiento. El trabajo de Micheli, sin embargo, era tan de moda y el género tan corriente que el Modigliani joven reaccionó contra él, prefiriendo ignorar la obsesión con el paisaje que, como con impresionismo francés, caracterizó el movimiento. Micheli también intentó animar a sus alumnos que nunca pinten el aire del plein del en, pero a Modigliani consiguió realmente un gusto para este estilo del trabajo, bosquejando en cafés, pero prefiriendo pintar dentro, y especialmente en su propio estudio. Incluso cuando está obligado para pintar los paisajes (tres se saben para existir), Modigliani eligió una paleta proto-Cubista más relacionada con Cézanne que con el Macchiaioli. Mientras que con Micheli, Modigliani no sólo estudió paisaje, pero también el retrato, aún-vida, y el desnudo. Sus estudiantes compañeros recuerdan que este último era donde él exhibió el suyo más grande el talento, y esto no eran al parecer una búsqueda totalmente académica para el adolescente: cuando no los desnudos de pintura, lo ocuparon con la seducción de la criada del hogar. A pesar de su rechazo del acercamiento de Macchiaioli, Modigliani no obstante encontró favor con su profesor, que le refirió como "superhombre", un nombre del animal de compañía que refleja el hecho eso Modigliani era no sólo muy experto en su arte, pero también eso que él citó regularmente de Nietzsche habló así Zarathustra. Fattori mismo visitaría a menudo el estudio, y aprobado de las innovaciones del artista joven. En 1902, Modigliani continuó cuál era ser de siempre un infatuation con el dibujo de la vida, alistando en el Accademia di Belle Arti (Scuola Libera di Nudo, o la "escuela libre del desnudo Estudios") en Florencia. Un año más tarde mientras que todavía sufría de tuberculosis, él se movió a Venecia, en donde él se registró para estudiar en el Istituto di Belle Arti. Está en Venecia que él primero hachís ahumado y, bastante que estudiando, comenzó a pasar tiempo frecuentar las partes de mala reputación de la ciudad. El impacto de estas opciones de la forma de vida sobre el suyo el estilo artístico que se convierte está abierto a la conjetura, aunque estas opciones parezcan ser más que la rebelión adolescente simple, o el hedonismo y el bohemianism cliched que casi estaba esperado de los artistas del tiempo; su búsqueda del lado más miserable de la vida aparece tener raíces en su aprecio de filosofías radicales, tales como los de Nietzsche. En 1906 Modigliani se movió a París, entonces el punto focal del vanguardismo. De hecho, su llegada en el centro de la experimentación artística coincidió con la llegada de dos otros extranjeros quién eran también dejar sus marcas sobre el mundo del arte: Gino Severini y Juan Gris. Él estableció en Le Barco-Lavoir, una comuna para los artistas sin dinero en Montmartre, alquilando sí mismo un estudio en la ruda Caulaincourt. Aunque era el este cuarto de los artistas de Montmartre caracterizado por pobreza generalizada, Modigliani mismo presentado-inicial, en menos-como uno contaba con al hijo de una familia que intenta mantener los aspectos de su perdido situación financiera al presente: su guardarropa era apuesto sin la ostentación, y el estudio él alquiló fue designado en un estilo apropiado alguien con un gusto finalmente adentro adaptado pañería de la felpa y reproducciones del renacimiento. Él pronto hizo esfuerzos para asumir el modo del bufanda bohemia del artista, pero, incluso en sus panas marrones, del escarlata y gorra negro grande, él continuó apareciendo como si él slumming lo, de ca3ida sobre épocas más duras. Dentro de a año de llegada en París, sin embargo, su demeanour y reputación habían cambiado dramáticamente. Él se transformó de un artista apuesto del académico en una clase de príncipe de vagabundos. El poeta y el periodista Louis Latourette, sobre visitar al artista previamente estudio bien-designado después de su transformación, descubierta el lugar en la agitación, Las reproducciones del renacimiento desechadas de las paredes, la felpa cubren en desorden. Modigliani estaban ya un alcohólico y un drogadicto para entonces, y su estudio reflejó esto. El comportamiento de Modigliani en este tiempo vierte una cierta luz sobre su estilo que se convierte como artista, en eso el estudio casi se había convertido en una efigie sacrificatoria para todos que él se resentía sobre arte académico que había marcado su vida y su entrenamiento hasta ese punto. No sólo él quitó todas las atavíos de su herencia burguesa de su estudio, pero lo también fijado sobre la destrucción de prácticamente toda su propia primera obra. La motivación para esto el rechazo violento de su uno mismo anterior es el tema de la considerable especulación. las tendencias autodestructivas pudieron haber provenido su tuberculosis y el conocimiento (o presunción) que la enfermedad esencialmente lo había marcado para una muerte temprana; dentro de el cuarto de los artistas, muchos hizo frente a la misma frase, y la respuesta típica era fijar alrededor disfrutar de vida mientras que duró, principalmente complaciendo en acciones autodestructivas. Para Modigliani tal comportamiento pudo haber sido una respuesta a una falta de reconocimiento; él buscó compañía de artistas tales como Utrillo y Soutine, aceptación que busca y validación para el suyo trabajo de sus colegas. El comportamiento de Modigliani se destacaba incluso en estos al bohemio alrededores: él continuó asuntos frecuentes, bebió pesadamente, y utilizó el ajenjo y el hachís. Mientras que es borracho, él se pelaría a veces desnudo en las reuniones sociales. Él hizo epítome del artista trágico, creando una leyenda póstuma casi tan bien conocida como la de Vincent van Gogh. Durante los años 20, como consecuencia de la carrera de Modigliani y estimulado encendido cerca comentarios por el hachís y el ajenjo que acreditan de color salmón de André con la génesis de Modigliani el estilo, muchos hopefuls intentó emular a su "éxito" emprendiendo una trayectoria de la sustancia abuso y exceso bohemio. Salmones demandar-erróneo-que mientras que Modigliani era a totalmente artista peatonal cuando es sobrio, " … a partir del día que él abandonó sí mismo a ciertas formas de libertinaje, la luz inesperada vino sobre él, transformando su arte. A partir de ese día encendido, él hizo uno quién debe ser contado entre los amos del arte vivo." Mientras que esta propaganda sirvió como reunión llora a ésos con un anhelo romántico de ser un artista trágico, condenado, estas estrategias no hizo produzca las penetraciones o las técnicas artísticas únicas en los que no los tenían ya. De hecho, los historiadores de arte sugieren que sea totalmente posible que Modigliani alcance incluso mayores alturas artísticas él no immured adentro, y había sido destruido cerca, sus los propios uno mismo-indulgencias. Podemos especular solamente lo que él puede ser que haya logrado lo tenía emergió intacto de sus exploraciones autodestructivas. Durante sus años en París, Modigliani trabajado en un paso furioso. Él era constantemente el bosquejar, haciendo tanto como cientos dibujos un día. Sin embargo, muchos de sus trabajos perdido-fueron destruidos por él como el inferior, se fue detrás en el suyo cambios de dirección frecuentes, o dado a las novias que no las guardaron. A Enrique de Toulouse-Lautrec primero lo influenció, pero hacia 1907 él se fascinó con el trabajo de Paul Cézanne. Él desarrolló eventual su propio estilo único, uno que no puede se categoriza adecuadamente con otros artistas. Él resolvió el primer amor serio de su vida, poeta ruso Ana Akhmatova, en 1910, cuando él era 26. Tenían estudios en el mismo edificio, y aunque Ana de 21 años estuviera recientemente casados, comenzaron un asunto. Alto (Modigliani era solamente 5 pies 5 pulgadas) con el pelo oscuro (como Modigliani), piel pálida y los ojos gris-verdes, ella personificó Modigliani estético el ideal y los pares se absorbieron en uno a. Después de un año, sin embargo, Ana volvió a su marido. En 1909, Modigliani volvió a casa a Livorno, enfermizo y cansado el suyo salvaje forma de vida. Pronto él estaba detrás en París, este vez que alquilaba un estudio en Montparnasse. Él se vio originalmente como escultor bastante que un pintor, y fue animado para continuar después de Paul Guillaume, un marchante joven ambicioso, tomó un interés en su trabajo y introducido le al escultor Constantino Brancusi. Aunque una serie de las esculturas de Modigliani fuera exhibida en el d'Automne del salón de 1912, en 1914 él abandonó esculpir y se centró solamente en su pintura, un movimiento precipitado cerca la dificultad en la adquisición de los materiales esculturales debido al brote de guerra, y cerca El debilitation físico de Modigliani. En el arte de Modigliani, hay pruebas de la influencia del arte de África y de Camboya que él pudo haber visto en el Musée de l'Homme, solamente el suyo los stylizations apenas como tener se son probablemente el resultado de su que es rodeado por Mediæval la escultura durante la suya estudia en Italia septentrional (no hay información registrada de Modigliani mismo, como hay con y otros, para confirmar el argumento que él fue influenciado por clase étnica o la cualquier otra de escultura). Un interés posible adentro Las máscaras tribales africanas parecen ser evidentes en sus retratos. En su pintura y la escultura, las caras de los canguros se asemeja a la pintura egipcia antigua en su plano y máscara-como el aspecto, con los ojos de almendra distintivos, frunció bocas, narices torcidas, y cuellos alargados. Sin embargo estas mismas características son compartidas por la escultura y la pintura europeas de Mediæval. Modigliani pintó una serie de retratos de artistas y de amigos contemporáneos adentro Montparnasse: Chaim Soutine, Moise Kisling, Pablo Diego Rivera, Marie "Marevna" Vorobyev-Stebeslka, Juan Gris, Max Jacob, Blaise Cendrars, y Jean Cocteau, sentado todo para interpretaciones estilizadas. Al inicio de Primera Guerra Mundial, Modigliani intentó alistar en el ejército pero fue rechazado porque de su salud pobre. Las mujeres vinieron y fueron hasta que Beatriz Hastings incorporara su vida. Ella permanecía con él por casi dos años, era el tema para varios de sus retratos, incluyendo Señora Pompadour, y el objeto de mucha de su cólera borracha. Cuando el pintor británico Nina Hamnett llegó en Montparnasse en 1914, en su primera tarde allí el hombre sonriente en la tabla siguiente en el café se introdujo como Modigliani; pintor y judío. Hicieron grandes amigos. En 1916, Modigliani befriended al poeta y el marchante polaco Leopold Zborovski y su esposa Anna.The después del verano, el escultor ruso Chana Orloff le presentó a un hermoso El estudiante de arte de 19 años nombró a Jeanne Hébuterne que había presentado para Tsuguharu Foujita. De a el fondo burgués conservador, Hébuterne fue renunciado por su católico devoto familia para su enlace con el pintor, que ella vio como poco más que licenciosamente derrelicto, y, peor todavía, un judío. A pesar de las objeciones de su familia, pronto ella vivía junto, y aunque Hébuterne fuera el amor actual de su vida, sus escenas públicas llegó a ser más renombrado que las exposiciones borrachas individuales de Modigliani. El 3 de diciembre de 1917, la primera exposición de una persona de Modigliani se abrió en el Berthe Weill Galería. Los desnudos de Modigliani escandalizó y le fue forzado al jefe de la policía de París para cerrar la exposición dentro de algunas horas después de su abertura. Después de que él y Hébuterne se trasladaran a Niza, ella se quedaba embarazada y dio el 29 de noviembre de 1918 nacimiento a una hija que nombraron Jeanne (1918-1984). En un viaje a Niza que había sido concebido y organizado por Leopold Zborovski, Modigliani, Foujita y otros artistas intentó a venda sus trabajos a los turistas ricos. Modigliani manejó vender algunas imágenes pero solamente para a pocos francos cada uno. A pesar de esto, durante este tiempo él produjo la mayor parte de las pinturas que más adelante se convirtieron sus trabajos más populares y valorados. Durante su curso de la vida él vendió un número de sus trabajos, pero nunca para cualquier gran cantidad de dinero. Qué fondos él recibió pronto desapareció para sus hábitos. En mayo de 1919 él volvió a París, en donde, con Hébuterne y su hija, él alquiló apartamento en la ruda de la Grande Chaumière. Mientras que allí, Jeanne Hébuterne y Amedeo Modigliani pintó los retratos de uno a, y de ellos mismos. Aunque él continuara a la pintura, la salud de Modigliani deterioraba rápidamente, y la suya alcohol-indujo apagones llegó a ser más frecuente. En 1920, después de no oír de él por varios días, su abajo vecino comprobó familia y Modigliani encontrado en la cama delirante y que se sostiene sobre Hébuterne que era casi nueve meses embarazadas. Convocaron a un doctor, pero poco podría ser hecha porque era Modigliani muerte de la meningitis tubercular de la enfermedad entonces-incurable. Modigliani murió el 24 de enero de 1920. Había un entierro enorme, asistido por muchos de las comunidades artísticas en Montmartre y Montparnasse. Hébuterne fue llevado sus padres a casa, donde, inconsolable, ella se lanzó de a ventana del quinto-piso dos días después de la muerte de Modigliani, matándose y a su niño nonato. Modigliani interred en el cementerio de Père Lachaise. Hébuterne fue enterrado en el Cimetière de Bagneux cerca de París, y no eran hasta el 1930 que su familia embittered permitió su cuerpo a muévase al resto al lado de Modigliani. Una sola piedra sepulcral los honra ambos. Su epitafio lee: "Pegó abajo por muerte en el momento de gloria." El suyo lee: "Dedicó al compañero al extremo sacrificio." Modigliani murió sin dinero e indigente-manejando solamente una exposición a solas en el suyo vida y donante de su trabajo lejos a cambio de comidas en restaurantes. Desde su muerte el suyo la reputación se ha elevado. Nueve novelas, un juego, un documental y tres largometrajes han sido dedicado a su vida. La hermana de Modigliani en Florencia adoptó a su hija del bebé de 15 meses, Jeanne (1918-1984). Como adulto, ella escribió una biografía de su padre titulado, Modigliani: Hombre y mito. Dos películas se han hecho sobre Modigliani: Les Amants de Montparnasse en 1958, dirigido por Jacques Becker, y Modigliani en 2004, dirigido por Mick Davis que protagoniza a Andy García como Modigliani. Nude rojo (1917) hace a una parte importante en los 1972 viajes de la película con mi tía. Astuto el guiño de la cara de Maggie Smith, completa con el pelo rojo brillante, parece haber sido sobrepuesto sobre la pintura original. 1968 la película francesa, Le tatoué ofrece a un Legionaire ficticio que haga el suyo detrás cubrir cerca un tatuaje hecho por Modigliani. Puesto que después de su muerte, los trabajos por Modigliani se han elevado súbitamente adentro el valor, un marchante pasa la película que intenta conseguir el tatuaje de la parte posterior del Legionario, y en un museo. Pinturas seleccionadas: Cabeza de una mujer con un gorra (1907) Retrato de Juan Gris (1915) Retrato del marchante Paul Guillaume (1916) Retrato de Jean Cocteau (1916) (CA 1918) academia desnuda asentada de Honolulu de artes Retrato de Jeanne Hébuterne (1918) Retrato de Marios Varvoglis (1920; Esculturas seleccionadas pasadas de la pintura de Modigliani) (Solamente 27 esculturas por Modigliani se saben para existir.) Cabeza de una mujer (1910/1911). Cabeza (1911-1913). Cabeza (1911-1912). Head (1912). Caryatid color de rosa (1914). El arte figurado, escrito a veces como figurativism, describe las ilustraciones - particularmente pinturas y esculturas - que se derivan claramente de fuentes reales del objeto, y sea por lo tanto por definición representativo. El término "arte figurado" se toma a menudo para significar el arte que representa la figura humana, o aún una figura animal, y, aunque es esto a menudo el caso, no está necesariamente tan: " Puesto que la llegada del arte abstracto el término figurado se ha utilizado para referir a cualesquiera forme del arte moderno que conserva referencias fuertes al mundo real. " La pintura y la escultura se pueden por lo tanto dividir en las categorías de figurado, representativo y abstracto, aunque, en realidad, el arte abstracto se deriva (o resumido) fuente figurada o de otra natural. Sin embargo, el término se utiliza a veces como sinónimo para el arte no-representativo y el arte inobjetivo, es decir arte que tiene ningún derivación de figuras o de objetos. El arte figurado sí mismo se basa sobre un acuerdo tácito de formas resumidas: la figura la escultura de la antigüedad no era naturalista, porque sus formas fueron idealizadas y geométrico. Ernst Gombrich refirió a las restricciones de estas imágenes esquemáticas, adherencia al que era sabida ya, bastante que el se ve que, como el "egipcio método", una alusión a la claridad almacenada en la memoria de las imágenes en arte egipcio. Eventual la idealización llevó a la observación, y a un arte figurado que equilibró geometría ideal con mayor realismo fue visto en escultura clásica por 480 A.C. Los Griegos refirieron a confianza en la observación visual como mimesis. Hasta la época de los impresionistas, figurada el arte fue caracterizado por tentativas de reconciliar estos principios de oposición. La subida de El arte neoclásico de Nicholas Poussin y de Jacques-Louis David engendró en última instancia reacciones realistas de Gustave Courbet y de Eduardo Manet. Los elementos formales, esos efectos estéticos creados por el diseño, sobre el cual el arte figurado está el dependiente, incluye la línea, la forma, el color, la luz y oscuro, total, volumen, textura, y perspectiva, aunque deba ser señalado que estos elementos del diseño podrían también jugar un papel en crear otros tipos de imágenes -- por ejemplo extracto, o no-representativo o ilustraciones bidimensionales inobjetivas. La pintura es un modo de expresión y las formas son numerosas. Dibujo, composición o la abstracción y la otra estética pueden servir manifestar el el expresivo y conceptual intención del médico. Las pinturas pueden ser naturalistas y representativas (como en a la pintura) todavía de la vida o de paisaje, fotográfica, extracto, se cargue con el contenido narrativo, el simbolismo, emoción o sea político en naturaleza. La pintura es la práctica de aplicar la pintura, el pigmento, el color o el otro medio a una superficie (base de apoyo). En arte, el término describe ambos el acto y el resultado, que se llama una pintura. Las pinturas pueden tener para su ayuda superficies tales como las paredes, el papel, la lona, la madera, el vidrio, la laca, la arcilla o el hormigón. Las pinturas pueden adórnese con la hoja de oro, y algunas pinturas modernas incorporan otros materiales incluyendo arena, arcilla, y pedazos del papel. Una porción de la historia de la pintura en del este y El arte occidental es dominado por adornos e ideas espirituales; ejemplos de esta clase de pintura extiéndase de las ilustraciones que representan figuras mitológicas en la cerámica a las escenas bíblicas rendidas encendido las paredes interiores y el techo de la capilla de Sistine, a las escenas a partir de la vida de Buda o otras escenas del origen religioso del este. Entre la continuación y las direcciones actuales en la pintura al principio del siglo XXI es la pintura monocromática, pintura del Duro-borde, abstracción geométrica, apropiación, Hyperrealism, Photorealism, expresionismo, Minimalism, abstracción lírica, arte pop, arte de Op. Sys., Expresionismo abstracto, pintura del campo de color, Neo-expresionismo, collage, Intermedia pintura, pintura de la ensambladura, pintura del arte de ordenador, pintura postmoderna, Nea-Dada pintando, pintura formada de la lona, pintura mural ambiental, figura tradicional pintura, Pintura de paisaje, pintura del retrato, y animación del pintura-en-vidrio. Progresos en del este pintando históricamente paralelo ésos en la pintura occidental, adentro general, algunos siglos anterior. Arte africano, arte islámico, arte indio, arte chino, y Arte japonés cada influencia significativa tenida en arte occidental, y, eventual, viceversa. Las más viejas pinturas sabidas están en el Grotte Chauvet en Francia, demandada por algunos historiadores para ser cerca de 32.000 años. Se graban y se pintan usando ocre y negro rojos pigmente y muestre los caballos, el rinoceronte, los leones, el búfalo, el mamut o a los seres humanos cazando a menudo. Sin embargo las pruebas más tempranas de la pintura se han descubierto en dos roca-refugios en Arnhem Tierra, en Australia septentrional. En la capa más baja de material en estos sitios se utiliza pedazos de ocre estimados para ser 60.000 años. Los arqueólogos también han encontrado un fragmento de la pintura de la roca preservada en un roca-refugio de la piedra caliza en la región de Kimberley de Australia del noroeste, de que se fecha 40 000 años. Hay ejemplos de la cueva pinturas por todo mundo-en Francia, España, Portugal, China, Australia, la India etc. En pintura al óleo de las culturas occidentales y la pintura de la acuarela son los medios más conocidos, con ricos y tradiciones complejas en estilo y tema. En el este, tinta y tinta del color predominó históricamente la opción de medios con tradiciones igualmente ricas y complejas. Diversos tipos de pintura son identificados generalmente por el medio que el pigmento está suspendido o encajado adentro, que determina las características de trabajo generales de la pintura, por ejemplo viscosidad, miscibilidad, solubilidad, tiempo de secado, etc. Fuente Wikipedia de la descripción
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Fabricado en 2/7/2010 8:08 AM
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